C 9 Progama Sin Textos Pulcinella - Orquesta Y Coro Nacionales De

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ORQUESTA Y CORO NACIONALES DE ESPAÑA TEMPORADA 2012 / 2013 CICLO II - CONCIERTO 9 18, 19 Y 20 DE ENERO 2013 Auditorio Nacional de Música Madrid. Sala Sinfónica Joan Cabero Director CNE Félix Alcaraz Director técnico 2 ORQUESTA Y CORO NACIONALES DE ESPAÑA Rafael Frühbeck de Burgos, director I Igor Stravinsky (1882 -1971) Pulcinella, ballet Ouverture Serenata “Mentre l’erbetta pasce l’agnella” Scherzino “Contento forse vivere” “Con queste paroline” “Sento dire no’nce pace” “Ncè sta quaccuna po” “Una te falan zemprece” Tarantella “Se tu m’ami” Gavotta con due variazioni “Pupillete, fiammette d’amore” Nancy Fabiola Herrera, mezzosoprano Gustavo Peña, tenor Marco Vinco, bajo II Franz Joseph Haydn (1732-1809) Misa núm. 10, en do mayor, Hob. XXII: 9, “Paukenmesse”, “Missa in tempore belli” Kyrie Gloria Credo Sanctus Benedictus Agnus Dei Elena de la Merced, soprano Nancy Fabiola Herrera, mezzosoprano Gustavo Peña, tenor Marco Vinco, bajo Joan Cabero, director CNE La Orquesta y Coro Nacionales de España rinde homenaje en estos conciertos a Isabel Caneda Schad y a Ignacio de Luxán Meléndez, contralto y tenor del CNE, en agradecimiento a su dedicación a este conjunto a lo largo de los años en que han prestado servicio hasta alcanzar su jubilación. CICLO II – CONCIERTO 9 Viernes, 18 de enero de 2013, a las 19:30 h Sábado, 19 de enero de 2013, a las 19:30 h Domingo, 20 de enero de 2013, a las 11:30 h Auditorio Nacional de Música (Madrid) Sala Sinfónica El concierto del domingo se transmite en directo por Radio Clásica (RNE) ONE-5268 ONE-5269 ONE-5270 Duración aproximada de las obras: primera parte: 45 minutos descanso: 20 minutos segunda parte: 45 minutos 3 NOTAS AL PROGRAMA Stravinsky, Haydn y el otro hipotético “¿Para quién compone usted?” Esta pregunta directa y concisa se la formuló Robert Craft a Igor Stravinsky en su famoso libro de conversaciones de 1959; y la respuesta del compositor de origen ruso no pudo ser más intrigante: “Para mí y para el otro hipotético”. Sin embargo, a continuación reconocía que ese hipotético álter ego, que consciente o inconscientemente busca cada artista ansiando no tanto la fama sino la comprensión, es algo que alcanzan muy pocos compositores y concluye: “La mayoría de nosotros compone para un público”. Stravinsky utiliza como ejemplo el caso de Haydn y resume su punto de vista a partir de dos cartas del compositor austríaco: una de 1787 dirigida a una autoridad de Praga en la que responde negativamente a la petición de una opera buffa suya para el teatro de la ciudad: “Todas mis óperas están estrechamente ligadas a nuestro círculo personal (el del príncipe Esterházy en Hungría), por lo que nunca producirán el efecto que yo calculé de acuerdo con el lugar”; y otra de 1792 durante su primera visita a Londres en la que agradece a su amiga Maria Anna von Genzinger el envío de la partitura de una de sus sinfonías que “a pesar de que resulte más que útil, por cuestiones comerciales deberá ser alterada para que encaje con el gusto inglés”. Stravinsky concluye que, aunque el compositor componga para un público, ello no quiere decir que comprometa su creación artística al tomar en consideración sus gustos, y pone los ejemplos de Shakespeare y Mozart: “Hamlet y Don Giovanni se escribieron para públicos de carne y hueso, aunque, sin duda, los autores de estas obras maestras las compusieron en primer lugar para ellos mismos y el otro hipotético”. Craft replica la respuesta de Stravinsky encaminando la conversación hacia el mecenazgo: “La mayor parte de su música la compuso por encargo. ¿Ha afectado esta circunstancia al desarrollo de su arte, es decir, la naturaleza o las condiciones de un encargo le ayudaron alguna vez a determinar su dirección musical, o quizá impusieron una limitación a la sustancia musical?”. Stravinsky defiende nuevamente su autonomía como artista y se centra en su experiencia: “Desde luego, el truco consiste en elegir el encargo para poder componer lo que uno quiere componer y que después te lo encarguen, y yo 5 he tenido la suerte de haberlo hecho así en muchas ocasiones”. ¿Qué habría respondido Haydn a esta misma pregunta? Claramente no habría dicho lo mismo y, aunque sus circunstancias creativas fueron bien distintas al conocer el nacimiento del concierto público como institución que permitió el paso del músico como servidor al compositor como artista, está claro que él también compuso muchas obras por encargo o que, a pesar de su querencia por satisfacer al público, también desempeñó un papel importante en su evolución creativa ese otro hipotético. El origen de la Missa in tempore belli está relacionado con la nueva vinculación de Haydn con el cargo de Kapellmeister en la corte de los Esterházy. El compositor austríaco recibió en 1795, durante su segunda visita a Londres, la notificación de que Nikolaus II, convertido en príncipe Esterházy el año anterior tras el fallecimiento de su padre Paul Anton, había recuperado la orquesta de la corte y precisaba nuevamente de sus servicios; conviene recordar que el cargo que ostentaba Haydn se había reducido a algo meramente nominal en 1790, tras la muerte de Nikolaus I, y ello le permitió fortalecer considerablemente sus actividades musicales fuera de la corte de Eszterháza. Las necesidades de Nikolaus II, el cuarto miembro de la familia Esterházy al que servía Haydn, eran mínimas y, aparte de las habituales labores administrativas, se limitaban a la composición anual de una misa para el domingo siguiente a la onomástica de su esposa, la princesa Maria Josepha Hermenegild, en la Bergkirche de Eisenstadt. Haydn, que solía pasar el verano en la corte de los Esterházy, dedicó el de 1796 a componer y preparar la referida misa y, el domingo 13 de septiembre de 1796, pudo escucharse la Missa St. Bernardi von Offida, dedicada al beato capuchino cuya advocación se celebraba el 11 de septiembre, es decir, el mismo día del santo de la princesa. Ese mismo verano de 1796 debió aceptar un encargo procedente de Viena que consistía en escribir otra misa, esta vez destinada a la ordenación de Joseph Franz von Hofmann que era hijo del pagador imperial y real de la guerra, donde representó musicalmente los avatares políticos del momento. Austria se encontraba por entonces en medio de una desastrosa contienda bélica que enfrentaba al emperador Francisco José I con Francia por el control del sur de Alemania; un joven general llamado Napoleón Bonaparte ganaba una batalla tras otra y su proximidad a Viena 6 NOTAS AL PROGRAMA había obligado a movilizar a la población de la ciudad en agosto de ese año ante una amenaza de invasión similar a la sufrida en 1683 por los turcos. Georg August Griesinger indica en su biografía de Haydn, realizada a partir de conversaciones con el compositor, que escribió una misa titulada In tempore belli cuando supo que los franceses estaban en Estiria y también anota dos detalles musicales de la misma revelados por el propio Haydn: las palabras “Agnus Dei, qui tollis peccata mundi” se presentan de un modo peculiar con acompañamiento de timbales, “como si se oyera al enemigo aproximándose a lo lejos”; y a continuación en el texto “dona nobis pacem” se hace entrar de repente y de forma emotiva todas las voces e instrumentos. En su regreso al género sacro de la misa, catorce años después, Haydn encontró nuevas posibilidades creativas que había desarrollado o estaba desarrollando en sus sinfonías y oratorios. De entrada, dispone el Kyrie de la Missa in tempore belli como si se tratase del inicio de una sinfonía: la obra comienza con una introducción Largo en do mayor que enlaza con un Allegro moderato marcado por la intervención solista de la soprano que expone el tema principal de lo que podría ser una forma sonata monotemática; sigue un breve desarrollo donde se modula a sol e interviene ahora como solista la contralto al tiempo que escuchamos brevemente al coro cantar el texto “Christe eleison”, para terminar con una reexposición acortada que se inicia nuevamente con la intervención de la soprano solista. Algo parecido encontramos en la primera parte del Gloria, de nuevo con un breve desarrollo que coincide con el texto “Domine Deus” y una escueta reexposición orquestada al estilo de sus sinfonías londinenses; sigue un Adagio sobre “Qui tollis peccata mundi” donde un bello solo de violonchelo precede la intervención del bajo cuya melodía se asemeja a la de la futura aria “Mit Staunen sieht dies Wunderwerk” (Con asombro ve el milagro) de La Creación al que se une el coro con “Miserere nobis”. El Credo tiene un inicio coral muy contrapuntístico, Allegro en do mayor, que contrasta bruscamente con “Et incarnatus est”, Adagio en do menor, con solos alternados o bloques corales y donde Haydn adelanta al comienzo algunos detalles musicales de La representación del caos de La Creación; la parte final del Credo, que incluye una sucesión de números enlazados, culmina con un fugado sobre el texto “Et vitam venturi sæculi amen” donde alternan coro y solistas en 7 un estilo similar al de los finali operísticos. El Sanctus se inicia de nuevo con una introducción lenta que conduce al exultante Allegro con spirito en do mayor del “Osanna in excelsis” a solo del tenor que nuevamente contrasta con lo que sigue a continuación: el Benedictus, que es un Adagio en do menor donde, a diferencia de la habitual expansión lírica, Haydn dispone intervenciones cortas y nerviosas de los cuatro solistas tras una tensa introducción orquestal. Y ese tono amenazador se incrementa en el Agnus Dei con el creciente ostinato del timbal con fanfarrias en el metal, que como vimos representa al enemigo aproximándose, y que desemboca en esa explosión de júbilo en “Dona nobis pacem” con el que concluye la Misa. El encargo de la Missa in tempore belli permitió a Haydn tratar de sus preocupaciones políticas; de hecho, ese tono esperanzador con el que culmina la obra evidencia la firme creencia del compositor en la victoria de su emperador frente a esa especie de anticristo que era para él Napoleón. La ideología de Haydn distaba mucho del republicanismo de Beethoven, que veía inicialmente en el militar francés la posibilidad de lograr una sociedad más justa, pero sin embargo esta composición tuvo una honda influencia en Beethoven que la tomaría como modelo en su Missa solemnis, tal como queda claro, por ejemplo, en el uso del timbal en el Agnus Dei. El 26 de diciembre de 1796, festividad de San Esteban, pudo escucharse por primera vez la nueva misa de Haydn en la Piaristenkirche de Viena, aunque el compositor la volvería a utilizar en septiembre de 1797 para cumplir con sus obligaciones como Kapellmeister de los Esterházy; este hecho, unido a la preocupación que tenía Haydn por adecuar sus composiciones a un público o a unas necesidades concretas, determina que existan dos versiones levemente diferentes de la obra: la versión del autógrafo, que es la original y fue la utilizada en Eisenstadt en 1797, y la versión vienesa del estreno; esta última versión dispone una orquestación levemente más elaborada que incluye flauta, trompas que duplican las trompetas o clarinetes en todos los números y no tan sólo en el Credo como la de Eisenstadt. El ballet para voces, mimos y orquesta de cámara, Pulcinella, de Igor Stravinsky surgió en los meses siguientes al final de la Primera Guerra Mundial a partir 8 NOTAS AL PROGRAMA de un encargo del empresario ruso Sergei Diaghilev y, al igual que la Misa de Haydn, no sólo tuvo una importante repercusión posterior en la obra del compositor sino que también contribuyó a dotar de nuevas posibilidades al género musical al que pertenecía; en este caso sirvió como punto de partida de ese peculiar retorno al pasado que se conoce en la historiografía musical como neoclasicismo. El encargo de Diaghilev consistía simplemente en escribir un ballet basado en unos manuscritos que había recopilado del compositor italiano Giovanni Battista Pergolesi en bibliotecas de Nápoles y Londres. El primer destinatario del proyecto fue Falla, quien lo rechazó; Stravinsky también lo rechazó inicialmente, aunque cambió de parecer tras estudiar los manuscritos dieciochescos recopilados por Diaghilev, a los que sumaría otras ediciones disponibles del compositor napolitano. Los estudios sobre Pergolesi, que en las últimas décadas han permitido demostrar que tan sólo 33 de las más de trescientas composiciones adscritas a él son auténticas, han alterado considerablemente la autoría de las obras musicales utilizadas por Stravinsky en este ballet; tan sólo 11 de las 21 arias y movimientos instrumentales son realmente de Pergolesi y, entre las diez obras restantes, encontramos compositores más o menos coetáneos como Domenico Gallo, Carlo Monza o el conde Unico Wilhelm van Wassenaer, pero también obras de autores más tardíos como Alessandro Parisotti. Stravinsky redactó la obra en Merges (Suiza) entre septiembre de 1919 y abril de 1920 y tituló la obra como: Pulcinella; ballet avec chant en un acte d’apres Giambattista Pergolesi. El argumento fue tomado de un manuscrito encontrado en Nápoles y fechado en torno a 1700 que contenía varias comedias representativas del carácter tradicional napolitano; concretamente se basó en una comedia titulada Quatre Polichinelles semblantes (“Cuatro Pulcinellas iguales”) donde Pulcinella, el popular personaje de la comedia del arte napolitana de carácter burlesco que portaba nariz aguileña o vestía de blanco con un gorro puntiagudo, enamora a Pimpinella, pero también a Prudenza y Rosetta y ello provoca los celos de Caviello y Florindo, pretendientes de las dos últimas; ambos planean deshacerse de Pulcinella, pero éste dispone un doble en su lugar, aunque en vez de vengarse arregla la boda de las tres parejas. Pulcinella se estrenó el 15 de mayo de 1920 en la Opéra de París por la compañía de los Ballets Rusos bajo la dirección musical de Ernest Ansermet 9 y contó con la coreografía de Léonide Massine, quien también representó sobre el escenario el personaje protagonista, junto a la escenografía y el vestuario diseñados por Pablo Picasso. El compositor dispuso una orquestación camerística que incluía parejas de flautas, oboes, fagotes y trompas, una trompeta y un trombón junto a una sección de cuerda que tenía la concesión pseudo-histórica de diferenciar entre un quinteto como concertino (2 violines, viola, violonchelo y contrabajo) y un ripieno (4, 4, 4, 3, 3); y a todo ello unió tres cantantes solistas (una soprano, cuya tesitura es más apropiada para una mezzosoprano, un tenor y un bajo) que situó en el foso y cuyas intervenciones no tienen relación directa con los personajes del ballet. La reacción del público y la crítica fue bastante contradictoria, pues mientras los espectadores celebraron esa especie de retour à l’ordre del compositor tras Le Sacre du printemps, la prensa modernista se sintió decepcionada; Stravinsky había concedido una entrevista al diario Comædia que salió publicada el mismo día del estreno en donde afirmaba que la obra era “sumamente novedosa; nadie ha intentado esto en la música. Incluye innovaciones que causarán sorpresa y conmoción”. En realidad, la clave de la obra consistía en dejar a un lado el marco estético original de la música del siglo xviii para quedarse simplemente con la esencia musical que el compositor desmembra y vuelve a montar con su propio lenguaje; se trata de algo nuevo en tanto que supone una ruptura radical con el maximalismo postromántico, que había pretendido avanzar intensificando los medios musicales heredados del pasado, y donde al ritmo psicológico romántico se le opone un ritmo ontológico y regular o se desecha cualquier concesión expresiva del cromatismo en favor de la neutralidad del diatonismo. Stravinsky aclararía en 1962 dentro de Expositions and Developements el proceso creativo de la obra: “Comencé a trabajar sin prejuicios estéticos (…); sabía que no quería una ‘falsificación’ de Pergolesi (…) en el mejor de los casos podría repetir su música pero con mi propio acento. Que el resultado fuera hasta cierto punto una sátira era probablemente inevitable (…) De todos modos, lo remarcable en Pulcinella no es tanto lo mucho sino lo poco que ha sido añadido o cambiado”. Todos los originales utilizados por Stravinsky son perfectamente reconocibles en Pulcinella: tanto los fragmentos de Sonatas en trío de Gallo, que escuchamos 10 NOTAS AL PROGRAMA intercalados al principio y final, o las piezas para clavecín de Monza junto al Concerto grosso de Wassenaer, que se incluyen en las escenas cuarta, quinta y sexta, como los fragmentos operísticos de Il Flaminio, Lo frate ’nnamorato, Adriano in Siria o de la cantata Luce degli occhi miei de Pergolesi o la tardía Aria antiche de Parisotti, que mantienen su parte vocal casi invariable con alguna excepción instrumentada; por ejemplo, el Aria de Vannella de Il Flaminio que escuchamos en el núm. 6 de la Escena II con un violín solista en lugar de la soprano. Lo sorprendente es cómo con unos leves retoques en la armonía, textura, equilibrio, dinámica o ritmo Stravinsky consiga conformar una obra musical con un perfil sonoro completamente diferente y moderno. Este logro, y todos los que lo rodean, se los atribuye el compositor a su persona; e incluso reniega de la influencia del empresario ruso: “Aunque Diaghilev me hizo fijarme en la música de Pergolesi, sugiriéndome que escribiera y luego me encargó un ballet basado en ella y, sin duda alguna, esta circunstancia me condujo a una nueva apreciación del clasicismo del siglo xviii, considero que yo creé la posibilidad del encargo en la misma medida que ésta me creó a mí, y que Pulcinella, aunque entonces pudo parecer un tanto arbitrario, fue un paso totalmente lógico que tenía que dar”. Efectivamente, Pulcinella se convirtió en la primera obra de una serie de composiciones posteriores a la Primera Guerra Mundial que han confirmado la etapa neoclásica del compositor en la que rompió definitivamente con sus orígenes rusos tras el triunfo de la Revolución bolchevique. Ese Stravinsky neoclásico en busca del otro hipotético llegaría a identificarse plenamente con los compositores que utilizaba (o creía utilizar) en sus composiciones; cuando Craft le preguntó por sus gustos musicales dieciochescos no puedo ser más explícito: “¿Pergolesi? Pulcinella es la única obra ‘suya’ que me gusta”. Pablo-L. Rodríguez Profesor de Historia y Ciencias de la Música en la Universidad de La Rioja 11 Franz Joseph Haydn Misa núm. 10, en do mayor, Hob. XXII: 9 14 Kyrie Kyrie eleison Christe eleison Kyrie eleison Kyrie Señor, ten piedad. Cristo, ten piedad. Señor, ten piedad. Gloria Gloria in excelsis Deo, et in terra pax hominibus bonae voluntatis Laudamus te, benedicimus te, adoramus te, glorificamus te. Gratias agimus tibi propter magnam gloriam tuam Domine Deus, Rex caelestis. Deus Pater omnipotens. Domine Fili unigenite, Jesu Christe. Domine Deus, Agnus Dei Filius Patris. Qui tollis peccata mundi, miserere nobis, qui tollis peccata mundi, suscipe deprecationem nostram. Qui sedes ad dexteram Patris, miserere nobis. Quoniam tu solus Sanctus, tu solus Dominus, tu solus Altissimus Jesu Christe. Cum Sancto Spiritu in gloria Dei Patris, amen. Gloria Gloria a Dios en las alturas, y en la tierra, paz a los hombres de buena voluntad. Te alabamos. Te bendecimos. Te adoramos. Te glorificamos. Te damos gracias por tu inmensa gloria. Señor, Dios, Rey celestial, Dios Padre todopoderoso, Señor Hijo único, Jesucristo, Señor Dios, Cordero de Dios, Hijo del Padre. Tú que quitas los pecados del mundo, ten misericordia de nosotros, tú que quitas los pecados del mundo, recibe nuestras súplicas. Tú que estás sentado a la derecha del Padre, ten piedad de nosotros. Porque solo tú eres Santo, tú solo Señor, tú solo altísimo Jesucristo. Con el Espíritu Santo en la gloria de Dios Padre, amén. Credo Credo in unum Deum, Patrem omnipotentem, factorem caeli et terrae, visibilium omnium et invisibilium. Et in unum Dominum Jesum Christum. Filium Dei unigenitum et ex Patre natum ante omnia saecula. Deum de Deo, lumen de lumine. Deum verum de Deo vero, genitum, non factum, consubstantialem Patri, Credo Creo en un solo Dios, Padre todopoderoso, creador del cielo y de la tierra, y de todo lo visible y lo invisible. Y en un solo Señor Jesucristo. Hijo único de Dios, nacido del Padre antes de todos los siglos. Dios de Dios, luz de luz. Dios verdadero de Dios verdadero, engendrado, no creado, de la misma naturaleza que el Padre, NOTAS AL PROGRAMA per quem omnia facta sunt. Qui propter nos, homines, et propter nostram salutem descendit de caelis. Et incarnatus est de Spiritu Sancto ex Maria Virgine et homo factus est. Crucifixus etiam pro nobis sub Pontio Pilato passus et sepultus est. Et resurrexit tertia die, secundum scripturas, et ascendit in caelum, sedet ad dexteram Dei Patris. Et iterum venturus est cum gloria iudicare vivos et mortuos, cuius regni non erit finis. Et in Spiritum Sanctum, Dominum et vivificantem. Qui locutus est per Prophetas. Et unam Sanctam catholicam et apostolicam Ecclesiam. Confiteor unum baptisma in remissionem peccatorum. Et expecto resurrectionem mortuorum, et vitam venturi saeculi, amen. por quien todo fue hecho. Que por nosotros los hombres y por nuestra salvación descendió de los cielos. Y por obra del Espíritu Santo se encarnó de María la Virgen, y se hizo hombre. Y por nosotros fue también crucificado y en tiempos de Poncio Pilato padeció y fue sepultado. Y resucitó al tercer día Según las Escrituras, y ascendió al cielo, está sentado a la derecha del Padre. Y de nuevo ha de venir con gloria a juzgar a vivos y a muertos, y su reino no tendrá fin. Y en el Espíritu Santo, Señor y dador de vida, que habló con los profetas. Y en la única Iglesia santa, católica y apostólica. Reconozco un solo bautismo para el perdón de los pecados. Y espero la resurrección de los muertos y la vida del mundo venidero, amén. Sanctus Sanctus, sanctus, sanctus, Dominus, Deus Sabaoth. Pleni sunt caeli et terra gloria tua. Osanna in excelsis. Santus Santo, Santo, Santo Señor, Dios del universo. Llenos están los cielos y la tierra de tu gloria. Hosanna en las alturas. Benedictus Benedictus qui venit in nomine Domini. Osanna in excelsis. Benedictus Bendito el que viene en nombre del Señor. Hosanna en las alturas. Agnus Dei Agnus Dei, qui tollis peccata mundi, miserere nobis. Dona nobis pacem. Agnus Dei Cordero de Dios que quitas los pecados del mundo ten piedad de nosotros. Danos la paz. Traducción: Archivo OCNE 15 RAFAEL FRÜHBECK DE BURGOS Director 16 © Ignacio Gil, ABC Nacido en Burgos en 1933, Rafael Frühbeck de Burgos estudió Violín, Piano y Composición en los conservatorios de Bilbao y Madrid. Continuó su formación en la Musikhochschule de Múnich con los estudios de Dirección con los profesores Eichhorn y Lessing y Composición con Paul Hindemith y Harald Genzmer. Tras comenzar su carrera como director titular de la Orquesta Sinfónica de Bilbao, fue nombrado director titular de la Orquesta Nacional de España, cargo que desempeñó entre 1962 y 1978. Fue director musical de la Stadtorchester de Düsseldorf y director titular de la Düsseldorfer Symphoniker y de la Orquestre Symphonique de Montréal. También ha sido director titular de la Wiener Symphoniker y director de la Deutsche Oper Berlin, así como de la Rundfunk Sinfonieorchester de Berlín y de la Orchestra Sinfonica Nazionale de la RAI de Turín. Igualmente, ha sido principal director invitado de la Orquesta Yomiuri Nippon de Tokio y de la National Symphony Orchestra de Washington. Ha actuado con más de un centenar de orquestas en Europa, América, Canadá, Japón e Israel. Además, ha dirigido representaciones de ópera en Europa, Estados Unidos y Sudamérica. En los Estados Unidos dirige habitualmente orquestas como la Chicago Symphony, New York Philharmonic, Philadelphia Orchestra, Los Angeles Philharmonic, Boston Symphony o la Pittsburgh Symphony, por citar algunas. En 2010 la prestigiosa revista Musical America le nombró Director del Año. Rafael Frühbeck de Burgos ha recibido, entre otras distinciones, la Silver Badge por el servicio a la República de Austria, medalla de oro de la Sociedad Internacional Gustav Mahler de Viena, Premio Jacinto Guerrero, medalla de oro al Mérito en el Trabajo, además de la medalla de oro de las Bellas Artes y la medalla del Palau de la Música de Valencia. 17 ELENA DE LA MERCED Soprano Realizó estudios de Canto en el Conservatorio Superior de Música de Valencia con Felisa Navarro y Ana Luisa Chova, donde también obtuvo el título superior de Guitarra. Perfeccionó sus estudios de canto y repertorio con G. Souzay, M. Zanetti, E. Obraztsova, H. Lazarska, W. Rieger, D. Baldwin y Ross Craigmile. En 1995 fue premiada en el Concurso Internacional de Canto J. Aragall y en 1998 ganó el Concurso Viñas. En 1997 debutó con la Kammeroper de Viena con el papel de Carolina en Il matrimonio segreto de Cimarosa, al cual siguieron diversos roles que fueron constituyendo su repertorio: Le nozze di Figaro, Don Giovanni, Turandot, Così fan tutte, L’Elisir d’amore, Don Pasquale, Orfeo ed Eurídice de Gluck, Il barbiere di Siviglia, Rigoletto, Dialogues des Carmélites, Fidelio, etc. Durante dos años consecutivos participó en el Festival de Bregenz (Austria) interpretando el papel de Óscar de Un ballo in maschera de Verdi bajo la dirección de Marcello Viotti, con gran éxito de crítica y público. En 2002 fue de nuevo invitada al festival como Musetta en La Bohème de Puccini, papel que interpretó poco después en la Ópera de Washington. Ha trabajado bajo la dirección de Jesús López Cobos, Peter Maag, Marcello Viotti, David Jackson, Luis Antonio García Navarro, Rafael Frühbeck de Burgos, Antonio Pirolli, Jacques Delacote, Marco Armiliato, Tiziano Severini, Kamal Kanh, Antoni Ros Marbà, Harry Bicket, Víctor Pablo Pérez, Christophe Rousset y Pedro Halffter, entre otros. Hizo su debut en el Teatro alla Scala de Milán como Carolina en la zarzuela Luisa Fernanda de Federico Moreno Torroba junto a Plácido Domingo, participando en las posteriores representaciones en Washington, Madrid y Los Ángeles. Con la orquesta barroca Al Ayre Español, bajo la dirección de Eduardo LópezBanzo, cantó el papel de Oriana en Amadigi de Händel en Salamanca y Montpellier, grabándolo posteriormente para el sello Ambroisie-Naïve. Entre sus más recientes actuaciones destacan diversas representaciones en el Teatro Real de Madrid, el Théâtre des Champs-Élysées de París y en Tourcoing, Lausanne, Festival Mozart de La Coruña, París, Las Palmas de Gran Canaria, el Liceu de Barcelona y Oviedo. 18 NANCY FABIOLA HERRERA Mezzosoprano Outumuro©Fidelio Artist La mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera es en la actualidad una de las intérpretes más destacadas del panorama lírico internacional. Su referencial interpretación de la protagonista de Carmen la ha llevado a actuar en el Metropolitan de Nueva York, el Covent Garden de Londres, Deutsche Oper Berlin, Arena di Verona, Termas de Caracalla, Ópera de Los Ángeles, Tokyo, Dresde y Quincena de San Sebastián, entre otras ciudades, papel que en 2012 ha cantado en Las Palmas y en el Festival de Masada (bajo la dirección de Daniel Oren) y que próximamente interpretará en la Bayerische Staatsoper de Múnich. Otros de los títulos en su trayectoria son Anna Bolenna (con la compañía del Liceu barcelonés), Il Postino (en su estreno absoluto en Los Ángeles y en Santiago de Chile), Samson et Dalila (Manaos), Les Contes d’Hoffmann (París, Seattle), L’italiana in Algeri (Las Palmas, Jerez), Werther (Las Palmas, Oviedo), Norma (Montpellier), Rigoletto (Metropolitan y La Bastille parisina), además de papeles protagonistas en The Rake’s Progres, I Capuletti ed i Montecchi, Die Fledermaus, La dama de picas, etc. Nancy Fabiola Herrera es, además, una gran defensora de la zarzuela, un género del que ha grabado dos títulos para Deutsche Grammophon en las últimas temporadas: Luisa Fernanda (en 2007, junto a Plácido Domingo) y La bruja (en 2011, con José Bros). Ha actuado junto a orquestas como la Sinfónica de Boston, Sinfónica de Toronto, Sinfónica de Los Ángeles, Sinfónica de Galicia, Nordnetherlands, RTVE, Oviedo Filarmonía, Filarmónica de Gran Canaria, Sinfónica de Montreal, Sinfónica de Washington, Sinfónica de Euskadi, Orquesta Nacional de España, Sinfónica del SODRE, Orquesta del Teatro Mariinsky y Orquesta Sinfônica Brasileira, entre otras. Ha colaborado con directores como Rafael Frühbeck de Burgos, Michel Plasson, Plácido Domingo, Charles Dutoit, Daniel Oren, Alain Guingal, Josep Pons o Friedrich Haider. En su discografía se incluyen trabajos para Deutsche Grammophon, Opus Arte, Columna Música, ASV Living Era, Arte Nova y Naxos. 19 GUSTAVO PEÑA Tenor Nació en Las Palmas de Gran Canaria, donde inició sus estudios de Canto en el Conservatorio Superior de Música con Mario Guerra. Posteriormente se trasladó a Santa Cruz de Tenerife, donde se tituló en Canto bajo la dirección de María Orán. Premiado en 2001 por Juventudes Musicales Españolas, obtuvo al año siguiente el primer premio en el Concurso Regional de Canto Cajacanarias. Ha participado como solista en los festivales de Canarias, Mozart de La Coruña y, Robecco Summerfestival (Ámsterdam), en las temporadas estables de la Ópera de Bilbao, Teatro Real, Teatro Liceo, Teatro de la Zarzuela y Teatro de la Maestranza de Sevilla, y en las temporadas de las principales orquestas españolas. Durante la temporada 2004-05 formó parte del Ensemble de la Staatsoper unter den Linden en Berlín. Interpreta un amplio repertorio, desde la música antigua hasta nuestros días, tanto en el plano operístico (Monteverdi, Mozart, Bizet, Puccini, Strauss, Alban Berg, Falla, Janáček, Halffter, etc.) como en el oratorio (Händel, Haydn, Mozart, Bruckner, Rossini, Beethoven, etc.), el gran repertorio sinfónico (Falla, Beethoven, Britten, Mendelssohn, Fauré o Schumann) y la zarzuela. Cabe destacar su debut, en la temporada 2007-08, en el rol principal de las óperas de cámara Hangman Hangman! y The Town of Greed de Leonardo Balada, en el Teatro de la Zarzuela. Gustavo Peña ha colaborado con importantes orquestas internacionales, como la Freiburger Barokorchester, Dutch Radiokammer Orchester, Staatskapelle de Berlín, Dresdner Philarmonie, Akademie für Alte Musik Berlin, filarmónicas de Nueva York e Israel, Sinfónica de San Francisco, nacionales de Dinamarca y Grecia, así como con las más importantes orquestas españolas y formaciones de cámara. Ha colaborado con directores de afamado prestigio como Barenboim, De Billy, Jacobs, Frühbeck de Burgos, Bychkov, Dutoit o Neuhold, entre otros, así como con la mayoría de los directores españoles. Ha grabado para Decca la ópera Guernika de Francisco Escudero, junto a la Sinfónica de Euskadi, bajo la dirección de J. R. Encinar. Participó junto a la Orquesta Ciudad de Granada en la grabación de Misereres, rescatados del archivo del patrimonio musical andaluz. 20 MARCO VINCO Bajo Marco Vinco nació en Verona en 1977. Tras completar en 2002 sus estudios de Derecho, inició los de Canto con Ivo Vinco. Ya durante sus años de formación el público y la crítica valoraron muy positivamente su voz y su presencia escénica, desarrollada en distintas experiencias de teatro de prosa. Desde un principio tuvo a Mozart como compositor de referencia, habiendo cantado Don Giovanni, Le nozze di Figaro y Così fan tutte en importantes centros, tanto en Italia como fuera de su país. Además, su presencia constante en el Rossini Opera Festival le ha convertido en uno de los más apreciados intérpretes del estilo rossiniano. Ha sido invitado a cantar en las más importantes casas de ópera, como el Teatro Carlo Felice de Génova, La Scala de Milán, Teatro Real de Madrid, Teatro San Carlo de Lisboa, Deutsche Oper de Berlín, Bunka Mura de Tokio, Opera Garnier de París, Ópera de San Francisco o el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, entre otras. Ha colaborado con directores de la escena internacional como Zubin Mehta, Riccardo Muti, Alberto Zedda o Marc Minkowsky, por citar algunos. Además de su repertorio operístico, que incluye obras de Stradella, Scarlatti, Cimarosa, Bellini, Donizetti, Puccini, Massenet o Meyerbeer, Marco Vinco ha desarrollado igualmente una importante carrera en el terreno del concierto y del recital. Así, ha cantado la Petite messe solennelle y el Stabat Mater de Rossini, la Novena sinfonía de Beethoven o el Réquiem de Mozart. Marco Vinco ha grabado para sellos discográficos como Dynamic, Decca, Naxos o TDK, entre otros. 21 JOAN CABERO Director CNE © Rafa Martín Realizó su formación musical y vocal en el Conservatorio Superior de Música de Barcelona y en la Hochschule für Musik de Stuttgart bajo la dirección de M. Pueyo y H. Lips. En el seno del Cor Madrigal de Barcelona obtuvo una sólida formación musical en el ámbito de la polifonía clásica. Fue tenor durante cuatro años en el Süddeutsche Madrigalchor de Stuttgart. Ha asistido a cursos de dirección coral con E. List, P. Cao y M. Cabero. Ha desarrollado una constante labor como cantante, en la que ha abordado un repertorio muy amplio, alternando regularmente el concierto, el oratorio y la ópera, participando en las temporadas de conciertos de las principales orquestas de España. Fue tenor lírico en el Teatro de Ópera de Dortmund durante dos temporadas. Formó dúo con el pianista Manuel Cabero, con el que obtuvo el segundo premio en el III Concurso Yamaha y el premio Schubert en el concurso F. Viñas (Barcelona, 1988), con él ha actuado en los festivales de Aix en Provence, Valladolid, Barcelona, Granada y Peralada. También ha colaborado con los pianistas A. Cardó, B. Jaume, J. A. Álvarez Parejo y M. Ariza. Fue director durante dos años del coro juvenil Cor Albada de Barcelona. En el año 2000 fundó en Madrid el Conjunto Vocal Leteica Música, dedicado a la interpretación de música romántica y moderna. En 2005 colaboró en dos producciones como asistente de dirección del Coro Nacional de España. Ha colaborado con la Fundación La Caixa como preparador de los conciertos participativos (El Mesías, Valladolid, 2008 y 2009, y Carmina Burana, Madrid, 2009), como director invitado con el Coro de la Universidad Politécnica de Madrid y, recientemente, con el Coro de la Comunidad de Madrid. Desempeñó durante dos temporadas la subdirección del Coro del Teatro Real de Madrid. A finales de 2009 fue nombrado director artístico de la Coral de Bilbao y codirector del Coro de la Orquesta Sinfónica de Galicia. Desde septiembre de 2010 es director titular del Coro Nacional de España. 22 Obras de: Elgar, Delius, Costa, Webern, Lauridsen, Vaughan Williams y Martin ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA Director emérito Rafael Frühbeck de Burgos Roberto Salerno Ríos Pilar Rubio Albalá** Director honorario Josep Pons Violas Cristina Pozas Tarapiella (solista) Lorena Otero Rodrigo (solista) María Ropero Encabo (ayuda de solista)* Virginia Aparicio Palacios Carlos Barriga Blesch Roberto Cuesta López Dolores Egea Martínez Mª Paz Herrero Limón Julia Jiménez Peláez Pablo Rivière Gómez Dionisio Rodríguez Suárez Gregory Salazar Haun Humberto Armas Armas** Víctor Gil Gazapo** Frank Lester Mejías Ercia** Jordi Roure Torne** Violines primeros Mauro Rossi (concertino)* Birgit Kolar (concertino)* Ane Matxain Galdós (concertino) Jesús A. León Marcos (solista) José Enguídanos López (solista) Salvador Puig Fayos (ayuda de solista) Miguel Ángel Alonso Martínez Laura Calderón López Antonio Cárdenas Plaza Jacek Cygan Majewska Yoom Im Chang Raquel Hernando Sanz Ana Llorens Moreno Rosa Luz Moreno Aparicio Mirelys Morgan Verdecia Elena Nieva Gómez Rosa María Núñez Florencio Stefano Postinghel Mª del Mar Rodríguez Cartagena Georgy Vasilenko Krzysztof Wisniewski Violines segundos Joan Espina Dea (solista) Laura Salcedo Rubio (solista) Javier Gallego Jiménez (ayuda de solista) Mario Pérez Blanco (ayuda de solista) Juan Manuel Ambroa Martín Nuria Bonet Majó Iván David Cañete Molina Carlos Cuesta López Aaron Lee Cheon* Francisco Martín Díaz Amador Marqués Gil Gilles Michaud Morin Federico Nathan Sabetay* Alfonso Ordieres Rojo Francisco Romo Campuzano 24 Violonchelos Miguel Jiménez Peláez (solista) Ángel Luis Quintana Pérez (solista) Mariana Cores Gomendio (ayuda de solista) Salvador Escrig Peris (ayuda de solista) Enrique Ferrández Rivera Adam Hunter Piotr Karasiuk Cisek* Zsófia Keleti* José Mª Mañero Medina Nerea Martín Aguirre Susana Rico Mercader* Carla Sanfélix Izquierdo* Josep Trescolí Sanz Contrabajos Antonio García Araque (solista) Ramón Mascarós Villar (ayuda de solista) Luis Navidad Serrano (ayuda de solista) Pascual Cabanes Herrero Pablo Múzquiz Pérez-Seoane Jaime Antonio Robles Pérez Emera Rodríguez Serrano* Bárbara Veiga Martínez Sergio Fernández Castro** Arpa Nuria Llopis Areny Flautas Juana Guillem Piqueras (solista) José Sotorres Juan (solista) Miguel Ángel Angulo Cruz Antonio Arias-Gago del Molino José Oliver Bisbal (flauta-flautín) Oboes Víctor Manuel Ánchel Estebas (solista) Robert Silla Aguado (solista) Ramón Puchades Marcilla (ayuda de solista) Vicente Sanchís Faus Rafael Tamarit Torremocha Clarinetes Enrique Pérez Piquer (solista) Javier Balaguer Doménech (solista) Eduardo Raimundo Beltrán (clarinete bajo) José A. Tomás Pérez Carlos Casadó Tarín (requinto) Fagotes Enrique Abargues Morán (solista) Vicente J. Palomares Gómez (solista) Miguel Alcocer Cosín José Masiá Gómez (contrafagot) Miguel José Simó Peris Trombones Edmundo José Vidal Vidal (solista) Juan Carlos Matamoros Cuenca (solista) Enrique Ferrando Sastre Francisco Guillén Gil (trombón bajo) Rogelio Igualada Aragón Jordi Navarro Martín Tuba Miguel Navarro Carbonell Percusión Juanjo Guillem Piqueras (solista) Rafael Gálvez Laguna (solista) Pascual Osa Martínez (ayuda de solista) Félix Castro Vázquez Pedro Moreno Carballo Órgano Jordan Fumadó Jornet** Archivo Rafael Rufino Valor Avisadores Francisco Osuna Moyano (jefe de escenario) Juan Rodríguez López Trompas Salvador Navarro Martínez (solista) Rodolfo Epelde Cruz (solista) Javier Bonet Manrique (ayuda de solista) Carlos Malonda Atienzar (ayuda de solista) José Enrique Rosell Esterelles Salvador Ruiz Coll Trompetas Manuel Blanco Gómez-Limón (solista) Adán Delgado Illada (solista) Vicente Martínez Andrés Vicente Torres Castellano Enrique Abelló Blanco** * Contratados ONE ** Músicos invitados para el presente programa 25 CORO NACIONAL DE ESPAÑA Director titular Joan Cabero Subdirector Miguel Ángel García Cañamero Sopranos Margarita Arguedas Rizzo Irene Badiola Dorronsoro Francesca Calero Benítez Marta Clariana Muntada Idoris Verónica Duarte Goñi Yolanda Fernández Domínguez Elisa Garmendia Pizarro Pilar Gómez Jiménez Patricia González Arroyo Mª Isabel González González Maria Agnieszka Grzywacz Carmen Gurriaran Arias Gloria Londoño Aristizabal Catalina Moncloa Dextre Mª de los Ángeles Pérez Panadero Carmen Rodríguez Hernández Ana Mª Sánchez Moreno Rosa María de Segovia García Carolina del Solar Salas Diana Kay Tiegs Meredith Rosario Villamayor Urraca Contraltos Mª Dolores Bosom Nieto Marta Caamaño Hernández* Mª José Callizo Soriano Isabel Caneda Schad Ángela Castañeda Aragón Ana Mª Díaz Gómez Inmaculada Egido García Fátima Gálvez Hermoso de Mendoza* Adriana García Mayer Ana Jodar Siles Carmen Lominchar García Helia Martínez Ortiz Manuela Mesa Pérez Laura Ortiz Ballesteros* Adelaida Pascual Ortiz Ana María Pérez-Iñigo Rodríguez 26 Pilar Pujol Zabala Rosa María Ramón Fernández María Ana Vassalo Neves Lourenço Tenores José Mª Abad Bolufer Fernando Aguilera Martínez Pablo Alonso Gallardo Santiago Calderón Ruiz Fernando Cobo Gómez Francisco José Flores Flores* Francisco Javier Gallego Morales Enrique García Requena Ariel Hernández Roque (jefe de cuerda de tenores) César Hualde Resano Luis Izquierdo Alvarado* Hourari Raúl López Aldana Eduardo López Ovies* Ignacio de Luxán Meléndez Manuel Mendaña García Helios Pardell Martí Daniel Adolfo Rey-Grimau Garavaglia Ángel Rodríguez Rivero* Juan Manuel Sancho Pérez Bajos Abelardo Arguedas Rizzo José Bernardo Álvarez de Benito Jaime Carrasco González Eliel Carvalho Rosa Eduardo Córcoles Gómez Hugo Abel Enrique Cagnolo Federico Gallar Zamorano Juan Pedro García Marqués Carlos Jesús García Parra Emilio Gómez Barrio Alesander Pérez Fernández Jens Pokora Ángel María Rada Lizarbe Luis Rada Lizarbe Francisco Javier Rodríguez Morera Ángel Rodríguez Torres Francisco Javier Roldán Contreras Francisco Javier Santiago Heras* Manuel Antonio Torrado González* Gabriel Zornoza Martínez (jefe de cuerda de bajos) Pianistas Sergio Espejo Repiso Anna Fernández Torres Archivo Victoriano Sánchez Tortosa Auxiliar de coro Gabriela Pérez Monterrubio *  Cantantes contratados para la presente temporada 27 PRÓXIMOS CONCIERTOS CICLO I - CONCIERTO 10 - DIÁLOGOS 1, 2 y 3 de febrero de 2013 Orquesta y Coro Nacionales de España Oleg Caetani, director Pablo Ferrández, violonchelo Askar Abdrazakov, bajo Víctor Ibarra Silensis Camille Saint-Saëns Concierto para violonchelo y orquesta núm. 1, en la menor, opus 33 Dmitri Shostakovich Sinfonía núm. 13, en si bemol menor, opus 11, “Babi Yar” CICLO II - CONCIERTO 11 - DIÁLOGOS 8, 9 y 10 de febrero de 2013 Orquesta Nacional de España Juanjo Mena, director Sergey Khachatryan, violín Ludwig van Beethoven Concierto para violín y orquesta en re mayor, opus 61 Arnold Schönberg Pelleas und Melisande (Peleas y Melisande), opus 5 28